09月22日, 2014 108次
直接百度中国的水墨画，百度出来很多图片的，你注意选一下格式要选高清的 本回答由提问者推荐
中国画的分类很复杂： 从画的内容来看，可分为：人物画、山水画、花卉画、禽鸟走兽虫鱼画、界画等。 人物画是我国传统的画科之一，内容以描绘人物为主。因绘画侧重不同，又可分为人物肖像画和人物故事、风俗画。据记载，人物画在春秋时期已经达到很高水准。从出土的战国楚墓帛画，可以看到当时人物画的成就。人物画一直是中国传统绘画最主要的画科。 山水画，简称“山水”，中国画画科之一。是以描写山川自然景色为主题的绘画。在魏晋六朝，逐渐发展，但仍多作为人物画的背景；至隋唐，已有不少独立的山水画制作；五代、北宋而益趋成熟，作者纷起，从此成为中国画中的一大画科。主要有青绿、金碧、没骨、浅绛、水墨等形式。在艺术表现上讲求经营位置和表达意境。 花鸟画，我国传统绘画画科之一。以描绘花卉、竹石、鸟兽、虫鱼等为画面主体。四五千年以前的陶器上出现的简单鱼鸟图案，可以看作最早的花鸟画。据唐代张彦远《历代名画记》中的记载，东音和南朝时，画在绢帛上的花画已经逐步形成独立的画科，并且出现一些专门的画家。五代、两宋间，这一画科更趋成熟。 界画，也是中国画画科之一。明陶宗仪《辍耕录》一书中，提出将绘画分为十三科：佛菩萨相、玉帝君王道相、金刚鬼神罗汉、风云龙虎、宿世人物、全境山水、花竹翎毛、野赢走兽、人间动物、界画楼台、一切旁生、耕种机织、雕青嵌绿。中有界画楼台一科。指以宫室、楼台、屋宇等建筑物为题材，而用界笔直尺画线的绘画也叫“宫室”或“屋木”。 从画的形式或颜色上可分为：水墨、青绿、金碧、浅绛等。 水墨画指中国画中纯用水墨的画体。相传始于唐，成于宋，盛于元明，清以来继续有所发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能，取得“水晕墨章”、“如兼五彩”的艺术效果。在中国画史上占重要地位。唐张彦远《历代名画记》：“运墨而五色具。”所谓“五色”，说法不一，或指焦、浓、重、淡、青，或指浓、淡、干、湿、黑。实际上都是指墨色的变化丰富而言。 青绿指中国画颜料中的石青和石绿作为主色的画。若为山水画还有大青绿和小青绿之分。前者多钩廓，皴笔少，着色浓重；后者是在水墨淡彩的基础上薄施青绿。 金碧指中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，叫做“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞、以及官室、楼阁等建筑物。 浅绛是在水墨勾勒被染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画。元画家黄公望、王蒙等好作此种山水画，形成了一种风格。赭石又称“土朱”，有火成的和水成的。入画的赭石，出在赤铁矿中。原石伴随着赤铁矿产出，用手捻摸，感觉滑腻的是好原料。原产山西雁门一带，古属代郡，所以又叫“代赭”。凡是有赤铁矿的地方，均产赭石。 从画的技巧上可分为粗笔（泼墨）、细（工）笔、写生、写意、皴法、白描、没骨、指头画等。泼墨是中国画的一种技法。相传唐人王洽每于酒酣作泼墨画。后世泛指笔势豪放、墨如泼出的画法为“泼墨”。 工笔是中国画中属于工整细致一类的画法，与“写意”对称。写意是中国画中属于放纵一类的画法。要求通过简练的笔墨，写出物象的形神，来表达作者的意境。 效法是中国画的一种技法，用以表现出石和树皮的纹理。山石的皴法主要有披麻皴、雨点皴、卷云皴、解索皴、牛毛皴、荷叶皴、折带皴、括铁皴、大小劈皴等；表现树身表皮的，则有鳞皴、绳皴、横皴等，都是以其各自的形状而命名的。这些皴法乃是古代画家在艺术实践中，根据各种山石的不同质地结构和树木表皮状态，加以概括而创造出来的表现程式。随着中国画的不断革新演进，此类表现技法还会继续发展。 白描是中国画技法名。源于古代的“白画”。用墨线勾描物象，不着颜色的画法。也有略施淡墨渲染。多用于人物和花卉画。 没骨也是中国画技法名。不用墨线勾勒，直接以彩色绘画物象。五代后蜀黄筌画花钩勒较细，着色后几乎不见笔迹，因有“没骨花枝”之称。北宋徐崇嗣效学黄筌，所作花卉只用彩色画成，名“没骨图”，后人称这种画法为“没骨法”。另有用青、绿、朱赭等色，染出丘壑树石的山水画，称“没骨山水”，也叫“没骨图”，相传为南朝梁张僧繇所创，唐杨升擅此画法。 指头画简称“指画”。中国画的一种特殊画法。用指头、指甲和手掌蘸水墨或颜色在纸绢上作画。清高其佩擅此画法，其侄孙高秉还著有《指头画说》。高其佩说：“吾画以吾手，甲骨掌背俱；手落尚无物，物成手却无”（转引自胡海超编《中国绘画趣谈》第195页）。说明他作画运用了手的各个部分，指甲、指头、手掌、手背。分析起来，画小的人物花鸟以及细线等，可能用指甲，可正用，也可侧用，如使用钢笔一般画大幅如荷叶、山石，可用泼墨法，手背手掌正反可以抚摸成画；画柳条流水可以小指、无名指甲肉并用点苔可用一指或数指蘸墨直下。总要立意在先，胸有成竹，然后心手相应得其自然，浑然天成，不现手画的痕迹，方称上乘，所以说“物成手却无”。自此以后，作指画的人虽不少，不过是偶然性的指墨游戏。只有现代已故名画家潘天寿，指画成就最高。 从画的时代上可分为：古画、新画、近代画、现代画等。
大致可以分为四种类型。第一部分是表现高原的风云，奇特的地貌，南疆的小院清溪，戈壁雪山的晨光晚照等作品。这部分作品是他长期写生积累的素材中整理创作出来的，比较注重写实的生动直观性。第二部分是具有宗教的虔诚、深邃乃至神秘意味的作品。在西部少数民族地区，宗教是一种普遍和有影响的信仰，宇宙建筑宏大壮丽，位置显要，是善良而虔诚的信徒们心灵的依归。在严峻的大自然和历史形成的生存重压的背景下，这是可以理解的。在他的许多作品中，寺庙与群山融合成一整体，宗教印记处处可见，作品中洋溢着关于人生信仰的表述。这部分作品是经过沉思酝酿后加工而成的，蕴涵着画家对人生、自然和宇宙广阔空间富于哲理的思考。第三部分是他在国内写生的作品。像长城和北京游览胜地，云南风情一类作品，一般都画得优美和注重情趣意境。如《长城》、《碧云低垂寄情思——纪念孙中山》，《梦回版纳》等。第四部分是他去国外访问时对异国风情的写生与创作，所占比例较小。 本回答被提问者和网友采纳
一 中国山水画的传统画法： 1 初唐以前是以勾肋+填色为基本特征的工笔画法为主，由于当时尚未发明皴法，所以没有皴擦的笔法，线条也较单调，大多用高古游丝描作线条，尽管当时技法还不是很成熟，但是他意味着山水画巳脱离作为人物画背景而成为了独立的画科，影响极其深远，其代表作是李思训、李昭道父子的青绿山水。 2 唐未以后至北宋，皴法巳广泛运用于山水画，线条也发展有许多画法，尤其是王维发明了水墨渲淡，王默、项容发明了泼墨画法，水墨也巳广泛运用，为山水画奠定了发展基础。唐未五代初的山水画家荆浩说“吴道子作画有笔无墨（白描法），项容作画有墨无笔（泼墨法），吾当采二子之长。”他将以上各种技法进行融合，创造了勾、皴、点、染繁密工细小写意水墨画法，成为影响巨大的画法。所谓繁密，是指皴法多为点子皴，成千上万笔密密麻麻；所谓工细，是指笔法细腻，或点或线无大块墨块；所谓小写意，是指较工笔随意，线条变化丰富，树叶多用勾肋点簇等混合画法；所谓水墨，是指不染色彩，而用浓淡不同的墨以墨代色。尤其经过五代宋初号称北宋三大家的关仝、李成、范宽和郭熙、王诜等人的发展，使宋画成为北派山水的顶峰，也成为了中国山水画的经典画法而流传千古。 3 南宋继承了北宋勾、皴、点、染的基本笔墨技法，但又有新的发展，尤其以李唐为代表的刚劲水墨院体画法，对后世的写意画法影响极大，所谓刚劲水墨，是指这种画法不象北宋画法那样细腻工整，多用大挥大就的笔法皴出楞角分明，粗旷豪放的山石纹理，尤其是马远、夏圭，一个比一个狂放，由于这些人均供职于南宋画院，所以又称这种风格为院体画，以区别于民间画法，代表作是号称南宋四大家李唐、刘松年、马远、夏圭的刚劲水墨山水。 4 元代赵孟頫倡以书入画，由于赵是大书法家，又是画家，他将书法的笔墨技法融入山水画，从而开创了南方风情简约小写意画法，尤以弟子黄公望成就最高。这种画法以江浙一带丘陵湖泊，花柳杂树为对象，不再有高山大岭，苍松古树，画法上以勾、皴、点而少染的线描画法为主，皴法不象宋代的点皴、墨块皴，大多以书法的线条加以变化而成，画面几乎全用线条勾肋，显得比较温润，不象院体画那么张扬狂放。代表作是号称元代四大家的黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙的南派水墨山水。 5 明代基本都是以摹仿宋元为主，尤偏重南宋画风，技法变化不大。要说变化，主要表现为融合型，有将南北两宋风格画法融合为一体的，如唐寅、戴进、王谔的山水就是将北宋的高大雄伟构图与南宋的刚劲水墨画法结合起来，也有将两宋与元代画法融合在一起的，如沈周、唐寅、仇英的细笔山水就是采用宋体构图，元人笔墨。 6 清代山水画坛呈现两个极端倾向，一极是四王为代表的摹古派，可能受董其昌南派正宗论影响，尤以摹董巨、元人南派画风为主，另一极是四僧为代表的自我派，或称怪异派，完全不依传统套路，打破勾、皴、点、染的程式，多以或勾或皴而不染的素画法随意皴画，笔墨甚为潦草，其中又各有特点：石溪用破笔点擦皴法直接皴出山形即成，画面黑密厚重；石涛笔法变化无常，构图造型千奇百怪，并以写生画稿式画法作画，随意性更强；弘仁以几何形的方块线性图案勾画山石树木，简洁空灵，前所未有；朱耷把倪瓒的简淡画法发挥到极致，枯笔淡墨抹个山形，勾画几株树桩即成，简到极点，淡到极点。 7 明清时期这种摹古之风和四僧这些反传统画法虽曾备受推崇，但事实上都是不正常的极端表现，表明山水画的发展尚未找到正确的途径，从而步入了歧途，因为这种画法越来越草率，越来越不注重品相，且越来越步入了小品行列，不适合大气磅礴时代的要求，以至圈内人发出了国画向何处去的哀叹。为此，近代画家又不断探索，也存在两大阵营，一是以金城、吴湖帆、陈少梅等为代表的传统派在坚守传统，一是以黄宾鸿、傅抱石、陆俨少、李可染等为代表的革新派在探索新的画法，创立了以浓墨粗笔大写意画法为特征的黑体水墨，且一个比一个粗，一个比一个黑，从而开创了一个粗壮厚黑的黒体水墨时代。 革新派艺术的最大特点是保持了传统水墨的技法特征，又融入了西方油画的光影、写实、重彩画法，具有较强的视觉冲击力。当代画坛大多受此影响，主流仍以中西融合式的彩墨、写实画法为主，而且七彩具备，鲜艳夺目，真正的典型传统画法巳是稀有之物了，但这种画法与传统的写意、水墨特征又是背道而驰的，可见画坛每次的变革总是反其道而行之。 二 中国山水画的发展创新 山水画的变化是随着审美观的变化而变化的，历史上的审美出现了几次转折，唐宋山水主要受顾恺之以形传神论影响，注重形态美，所以对构图造型很讲究，高山大岭蔚为壮观，苍松古树别具韵致；元以后审美受苏东坡审美观影响，逐步向情趣美转移，南派简约诗意画盛行，画面简洁，留白很多，讲究意趣，诗意盎然；明代以后受董其昌笔墨论影响，不再重视形态美，笔墨美成为人们偏爱，绘画更侧重于笔墨技法的变化，因此各种画法千恣百态，水墨淋漓；当代山水多受徐悲鸿影响，实行中西融合改造国画，又发展出色彩美，彩墨写实画法大行其道。 传统山水是几千年来无数文人墨客潜心探索的结晶，是中国的国宝。对于以绢纸为载体的这些国宝，因极易损坏难以长期保存，故真正意义上的保存要靠一代又一代的有志者将其技法传承下去。 国画虽讲究创新，但创新都应源于传统，离开传统也就成了无源之水，无根之木，是会迷失方向的，也是不会有长久生命力的。所以，凡志于国画者，当深研传统，凡志于山水画者，当认真练习传统山水技法，打好基础。黄宾鸿曾说，唐画如曲，宋画如酒，元画似醇，明清的画是加水的酒，当代绘画只有水而无酒。宋元山水画是中国山水画的经典，也是中国山水画的顶峰。
中国传统山水画的表现技法 一 树木法 树法的基本内容是树干树枝树叶三个方面。 树干与树枝的画法以线为主，树叶的画法以点为主，往往先画树干然后画树枝，最后是点叶。树干以双线画出，略近平行而线条有所变化，然后根据不同的树种加以皴擦和描绘。宋元山水画对线的造型很讲究，树干的形态也很复杂而且富于变化，初学者对郭熙《早春图》、王蒙《青卞隐居图》中的树木加以学习和研究，是十分有益的。明清之后对树木的画法往往不太讲究，但“四王”中王翚的树木造型显得与众不同，是值得学习的。 树枝的基本形态以鹿角法和蟹爪法为主。树枝往往一笔画出，但要求用笔沉着。树干与树枝都以中锋为主的线条来表现，笔法和笔势的不同，形成了山水画中以南北宗为代表的不同流派和风格。明董其昌就崇南宗而贬北宗。 在用墨方面，树干树枝的画法比较单纯，以墨线的曲直长短和枯湿浓淡来显示变化。前代大师以破墨法来刻画树枝树干首推石涛。树枝的变化是表现树木风姿的主要手段，所以历代大师对树枝的表现尤为重视，尤其表现上部的树枝就像表现一个人的头部一样重要。同时用笔要流畅连贯，用笔的方法也要统一。 画树不点叶就是枯树，俗称寒林。树干树枝大致完成之后就可以点叶。树干树枝构成树的骨骼，树叶是依附于这个骨骼的肉体，树叶根据树枝的形态而变化，它们之间形成有机的整体。 传统山水画的树叶以墨点和夹叶点为主，只有杨柳、竹子、松树的画法是比较特殊的。点叶要以攒三聚五法为基本结构进行重复延伸。这样可以疏密有变化又不显得混乱。点叶的用墨更为讲究，一笔浓淡法和破墨法是主要的表现手法，这样可以使浓淡相间，富有笔墨趣味。 理解了树枝树干树叶的基本画法，树干的造型就显得尤为重要。独立树的造型要特别讲究树枝与树干的关系。丛书的造型以不同的树干树叶树枝加以形态构成美的整体造型。远树则取其势即可，所谓远取其势。 二 山石法 画山石分为勾、皴、擦、染、点五个步骤。从山石的形态看，有石块、石坡、石壁、石崖、峰岳等。从山石的构造来说有土质山和石质山之分。不同的石质和构造决定了不同的表现手法，从而形成不同的风格和流派。有披麻、折带、解索、牛毛、卷云、斧劈、豆瓣、钉头等。这些都是古代画家对自然现象长期观察提炼出来的笔法符号。这些符号可以帮助我们主动得表现山石的形态。清代的王原祁、王时敏、王鉴一生只用了披麻解索两种皴法，却画出了那么多影响深远的画，可见笔墨技法的深邃。 但根据不同人的笔性对同一种皴法的表现也是不同的。比如黄公望和四王所使用的都是披麻皴，然而他们的画确格调不同，黄公望的风格和意境又更高一筹。这主要是由于画家的个性不同而形成的不同的笔势和笔性。另外相同的笔法在不同的纸质上所形成的风格是不同的，比如生宣和熟宣，宣纸和绢。同一笔法所呈现的不同形态还与行笔的快慢和节奏有关。山石的表现以重复为主，因此笔墨的浓淡变化更加重要，否则一定呆滞。皴法是表现山石的一种方法，并不是僵死不变的。这一点在写生中你就会体会到。 擦与点是补充山石的表现方法，以弥补皴的不足。点是在山与山，石与石之间的交界处以显山石的层次。 染是指用水墨或颜色铺陈在山石上，但并不是平涂，要根据山石的起伏、明暗、根据山石的笔势来铺陈，以显用笔的意义。 山石的造型以弧形和方形为主。前者南宗较多使用，而后者北宗较多使用。 三 云水法 云水是山水画中不可或缺的部分，一般以留白或勾线两种表现方式为主。留白是在画面留下空白，以虚写实。勾线法是以单线勾出云水的形态，当代陆俨少山用此法。在传统山水画中也有以留白为主又兼以勾线的方法，关键是活学活用。 四 人物建筑舟车 传统山水画中多有表现，以线描为主，又有工笔写意两种表现方法。宋以前多有界画，元以后多一些以为主，石涛的画多用写意之法。人物建筑舟车在山水画中要合理安排，注意他们在整幅画中的比例，认真考虑好用笔的方法和位置的处理。 五 构图法 1 主体明确 2 整体统一 3 笔墨和气韵 4 立意高远，形神兼备 5 诗书画印合一满意请采纳 本回答被提问者采纳
1、启动PowerPoint2013，切换到“插入”选项卡选择“形状”组中的“圆角矩形”，插入到页面中。2、画出圆角矩形之后，在“格式”选项卡下，调整矩形的填充颜色，为了村托文字，这里不建议大家填充较深的颜色。3、再画出标题框，右击页面空白处，右键菜单中选择设置背景格式。4、弹出“设置背景格式”窗格，勾选“图片或纹理填充”，选择填充背景。5、然后右击标题框，编辑文字，输入诗歌的题目并改变字型、字号、颜色等等。6、切换到“插入”选项卡，选择“文本”组中的“文本框”，作者名称用横排文本框插入，诗句用垂直文本框插入。7、在文本框中输入文字，因为我们插入的是垂直文本框，这样就不需要在改变文字方向，简单许多。8、给每个垂直文本框添加动画效果，这样在幻灯片播放的时候更加生动有趣。9、大家还可以插入音频文件，营造一个气氛，让学生更好的领略诗歌所要表达的意境。10、OK，我们的动画到此已经全部完成
先下载一个古风的PPT模板，然后根据提示操作，最后美化一下。选对了模板就成功了一半，内容尽量条理清晰，适用于PPT展示。满意记得采纳，谢谢 本回答被网友采纳
挑选一些中国元素的素材，水墨画，书法等做背景；字竖着排，从右到左；字体选择上要多多试下毛笔类的，根据诗的意境或作者选择毛笔字体。比如：女的作者你可以选择纤细的毛笔字体，可能比较好。
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我在网上上传了一个古诗欣赏的PPT，有兴趣您可以去看一下。
在魏、晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多；隋唐始独立，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水等。五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水，南北竞辉，达到高峰。从此成为中国画中的一大画科。元代山水画趋向写意，以虚带实，侧重笔墨神韵，开创新风；明清及近代，续有发展，亦出新貌。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。明代及近代续有发展，董其昌及清初“四王”为山水画走向绘画理论及绘画手法的程式化完备作出了重大贡献。扩展资料：中国山水画，源远流长。表现了丰富多彩的自然风光，体现了中国人的美意识。从山水画的萌芽期魏晋南北朝始至隋唐五代日渐成熟，直至两宋形成了繁荣的景象，到元代达到了高潮，随着明清商品经济的发展，山水画走向了辉煌。魏晋南北朝时期，中国社会“仕隐分工”，形成了隐士阶层，隐士们厌烦世事纷繁，回归自然，深入山水，通过自然山水以“畅神”“澄怀观道”，追求“天人无际”、“天人合一”。参考资料来源：百度百科-山水画
1、中国山水画的起源早期山水主要作为地图的形式存在，出现在四川的画像石上。地图上山水存在的目的是“案城域、辨方州、标镇阜、划浸流”，但其并不具有审美价值，只是体现出它的实用性。2、魏晋南北朝时期魏晋南北朝政治混乱，世人朝不保夕，百姓生活颠沛流离，社会上长期笼罩着悲观消极的情绪。文人名士们对社会现实充满失望，满身才学无处施展，只有将满怀才情寄托在山水之中，以逃避动荡不安的现实环境，由此开始追求自由与开放的艺术形式。文人开始推崇老庄思想，继而发展为玄学思想。玄学推崇关注自然，于是艺术家开始越来越多地关注山水，名士们寄情山水的情怀直接促进了山水画的发展。3、隋唐时期隋朝的建立，结束了我国三百多年的南北分裂的局面。政治的统一、经济的发展促进了绘画艺术的进步。隋代展子虔的《游春图》是传世第一幅完整意义上的山水画。唐代更是对绘画进行了细致的分类，在透视和构图两方面也达到了相对成熟的阶段。随着空间处理水平的提高，如散点透视、近大远小原则的熟练掌握，画家开始能较好地处理空间关系。艺术家开始越来越多地表现现实生活与抒发情感，创作领域逐渐扩大，由此山水画从人物画的背景中独立出来，成为一门独立的画科。晚唐时期，山水画独特的创作技法——皴法初步形成。山水画的表现手法进一步丰富，从单纯的线条勾勒敷色，发展到根据对象的质地、纹理、向背等情况进行皴擦。皴法不仅反映了艺术家的审美取向，也代表了山水画的艺术生命。从隋唐时期开始，皴法与中国山水画同步发展，皴法的成熟也为山水画在五代、宋朝的蓬勃发展奠定了基础。4、五代时期五代时期战乱频发，动荡不安，政权不断更迭，文人墨客寄情于山水，山水画开始蓬勃发展。各地画家以大自然为师，真实而生动地创造了南北两种山水风格。北派以荆浩、关仝为代表，南派则以董源、巨然为代表。南北两派画风各不相同且形成鲜明对比，但两者都是取景自然，并且还创新了绘画技法以及作画理论。5、宋朝时期宋太祖实行崇文抑武，文人的社会地位提高，科举制度完善，画院蓬勃发展，出现了画学。在宽松的政治文化条件下，画家可以尽情施展自己的才华，追求细节的写实手法发展到了新高度，绘画技巧急速提高，山水画空前繁盛。宋人理学注重格物致知，注重对真山真水的体悟和观察。在院体水墨山水的发展中，夏圭、梁楷等人还与西湖四周丛林中的禅僧画家相互启发。禅僧运用画院的程式作为表达顿悟境界的手段之一，禅僧们选择物象，借助水墨挥写，来阐发领悟的人生道理。自然山水被赋予了等同于伦理纲常的意义，使得山水画的价值得到普遍认同，山水画进入黄金时代。北宋画家的水墨山水画注重写实，以李成、范宽为代表。南宋受宫廷画院画风的影响，追求细节真实和诗意表达，代表画家有李唐，他的斧劈皴自成风格。另外南宋的马远、夏圭开创了边角构图，人称马一角、夏半边。两宋山水画在山水画史上具有极重要的地位。北宋直承五代之风，在画风的延续和演进上成就突出。南宋注重对画面诗意的发掘，既继承了北宋传统，也有更多创新，从而形成了自己的特色。6、元朝元代的社会结构比较特殊，汉人处于社会底层，文人没有入仕的机会，绝大多数的文人士大夫不得不寄情山水，逃避现实，来排解心中的苦闷。隐逸于山水之间成为了他们的选择，山水画成为了他们唯一的精神寄托。元代的山水画不但传承了古代山水画的特点，而且还有了自己的创新，尤其在水墨山水上有了空前发展，被后人评价“潇洒简远，妙在笔墨之外”。7、明朝明代早期，宫廷画派与浙派盛行，继承与发扬南宋院体，同时元代文人画传统得到延续与发展。理学成为官方意识形态，这对山水画的发展起到了很大的作用。理学天理世界秩序观的普及，使山水画逐步占居上风而具有绝对优势。我们看到，山水画从其萌芽到成熟再到兴盛，一路走来都与宋明理学的发展形影相随，传统山水画的意义世界更是与宋明理学之义理不可隔离，虽不能说后者单方面决定了山水画的成就，但是山水画的成就脱离宋明理学的观念背景不能独自获得。明代中期，吴门画派在苏州地区崛起，继承了宋元文人画传统，同时取代了浙派在画坛上的统治地位成为主流，代表人物有吴门四家。其绘画以描写江南山水风景与文人生活为主，注重笔墨情趣、诗书画的结合，抒发了宁静高雅的文人情怀。明代后期，在上海、松江一带存在着许多画派，其中以华亭派影响最大，代表人物为董其昌。他极力推崇纯“文人画”，提出了南北宗论。南北宗论出自于《画旨》，他按画家的身份、画法、风格分为两大派别，北宗是李思训父子、赵傒、赵伯驹、赵伯骕、马远、夏圭，南宗为王维、张璪、荆浩、关仝、董源、巨然、郭忠恕、米家父子。董其昌认为南宗是文人之画，而北宗是行家画，他崇南贬北，提倡文人画的南宗。8、清朝清代的绘画以摹古为主，这是因为当时闭关锁国和文化专制政策导致文人的思想被禁锢。以“清初六大家”为代表，强调“日夕临摹”“宛然古人”的艺术主张，迎合了当权者的思想束缚政策，被奉为“正统派”。与之相对，一批具有强烈民族意识的画家突破了传统思想，被称为“创新派”，以“四大名僧”和“金陵八家”为代表。扩展资料山水画是中国的一个有特色的分支，从隋朝就开始出现山水画，山水画强调“平远”、“高远”和“深远”，运用散点透视法，平远如同“漫步在山阴道上”，边走边看，焦点不断变化，可以画出非常长的长卷，括进江山万里。高远如同乘降落伞从山顶缓慢下降，焦点也在变化，从山顶画到山脚，可以画出立轴长卷；深远则运用远近山的形态浓淡对比，画出立体，山谷深邃的效果。从古代起，中国的山水画的特点四必须有人或建筑出现在画上，这幅画才显出生气；从唐朝开始，中国的山水画开始分为南、北两派。北派的创始人是唐代画家李思训，他发明的大斧劈皴法，画中重用色彩，浓墨点苔上也用鲜亮的石青敷色，非常适合变现北方阳光灿烂、峭壁高耸的山峰。宋代的画家张择端、李唐、马远、夏圭等继承了他的风格，形成一种派别。南派以被评作“诗中有画，画中有诗”的著名诗人王维为滥觞，运用披麻皴和宋代画家米芾发明的雨点皴或叫米点皴，多用墨色少用颜色表现蒙蒙细雨中的江南丘陵，后来发展到只用墨的水墨山水，王蒙、倪瓒等画家发展形成了南派风格。从明代后期到清朝时，山水画陷入了形式主义的格式套路，画家不在观察自然，从临摹古画技巧入手，随意摆布画中的构图，虽然明、清时期出现了许多花鸟画和人物画的大师，但山水画的发展停滞不前，《芥子园画传》更将山水画变成一种八股。直到近代，山水画又重新发展，新一代大师如黄宾虹、李可染、张大千、傅抱石、关山月等人吸收西方绘画理论，深入观察自然，创作自己的风格，使山水画重新注入生气，将山水画发展到一个新阶段。尤其是关山月和傅抱石为人民大会堂合作的《江山如此多娇》开创了国画巨幅山水的先河。现代有出现许多表现欣的题材的年轻山水画家，用国画技法描绘黄土高原、秦岭、太行、西北大漠、西藏雪山、热带雨林，甚至境外各国的风景。山水画出现一个全新的局面。参考资料来源：百度百科-中国山水画 本回答被网友采纳
中国山水画较之西方风景画，起码早了1000余年。它所呈相的图义，实际上是一部中国思想史。早在7000多年以前，先古的觉醒便以图案方式纪录下来。新石器的河姆渡文化，已用线刻表达着观念性文化的内涵，定居的农耕文明起源，不仅让人认知了工具美，亦让人于器之上认知了形上美。到了秦汉时期，描绘劳动生活的场面，由乡土而至皇权，殿堂宫室的壁画成为时代的主流。这种以宫室喻家室的认信取向，使中国美术摆脱了原始形态。统治阶级士大夫文化开始占主导地位。士者文化实现了与乡土文化的分离。对于山水画而言，这一分离是深刻的。从个体生命的角度体验天地宇宙的永恒，体味人在此中的自由，是魏晋山水诗的开启。谢灵运的意义就是在文的自觉时注重形的依托，从哲学的本体论出发，追求玄远的神超理得。真正代表中国山水情怀的是陶潜。陶诗是超越玄言的哲学深刻，它没有放弃玄言诗的宇宙本体和生命本体的体悟，并通过某种特定的媒介去捕捉和体现这种体悟的本质和意义，把它们变成一种可触知的东西。一个有艺术的创意，就是将亲身体验到的无形结构找到形状。山水草木在陶诗中是真意深情，是体现中国精神的哲学，是超然事外，是平淡中和。扩展资料山水画是中国的一个有特色的分支，从隋朝就开始出现山水画，山水画强调“平远”、“高远”、和“深远”，运用散点透视法，平远如同“漫步在山阴道上”，边走边看，焦点不断变化，可以画出非常长的长卷，括进江山万里；高远如同乘降落伞从山顶缓慢下降，焦点也在变化，从山顶画到山脚，可以画出立轴长卷；深远则运用远近山的形态浓淡对比，画出立体，山谷深邃的效果。从古代起，中国的山水画的特点四必须有人或建筑出现在画上，这幅画才显出生气；从唐朝开始，中国的山水画开始分为南、北两派。北派的创始人是唐代画家李思训，他发明的大斧劈皴法，画中重用色彩，浓墨点苔上也用鲜亮的石青敷色，非常适合变现北方阳光灿烂、峭壁高耸的山峰。宋代的画家张择端、李唐、马远、夏圭等继承了他的风格，形成一种派别。参考资料来源：百度百科-中国山水画 本回答被网友采纳
山水画始于魏晋南北朝（220-581年），真正发展于隋唐。随着汉末腐朽的经学束缚被冲破，玄学思潮兴起，玄学之士标榜隐逸，江南的秀丽山水给人以自然美的享受。顾恺之的《画云台山记》记录了作画的完整构思，文中写道：“山有面，则背向有影，可令庆云西而吐于东方，清天中，凡天及水色，尽用空青，竟素上下以映日。西去山，别详其远近……”；刘宋时期宗炳的《画山水序》则表明了他对山水画的理解；同时的王微的《叙画》记录了他的看法。在晋之前汉魏时期的绘画中，也有不少具山水画的因素者，张彦远在《历代名画记》中“吴王赵夫人”条下有“孙权尝叹魏蜀未平，思得善画者图山川地形……”等等的论述，但那时画的山水只是军事上实用的地图之类。所以真正的山水画，乃正式萌芽于晋，由晋朝而兴起的山水画，刘宋而成。早期的山水画，存世不多，尽管在敦煌壁画等处也可看到一些山水画，但它不能代表当时的山水画的全貌，这在《历代名画记》所记皆可证明(《记两京外州寺观画壁》中的山水画多唐人手笔)。所以我们在早期山水画中看到的一般是“群峰之势”，“若钿饰犀栉，或水不容泛，或人大于山，率皆附以树石，哄带其地，列殖之状，则若伸臂布指。”但是，专门从事绘画的士大夫们，都有很高的文学修养，一部分山水画还是具有很高水准的。从顾恺之的山水画构图稿的文字记录来看，当时的山水画是有一定深度的，前后、左右、上下皆有安排，树石、道路、泉流，决不会“若钿饰犀栉”。这从汉画像石中也可得到证实。但是当时的山水画，不论出自民间的还是出自士大夫的，也不论水平高低，皆有个共同特点：颜色是青绿艳丽的，而且是涂满绢素或墙壁的，画中皆有复杂的禽兽，至隋逐渐减少，唐初已基本不存在了。山水画的产生和上层人物、知识分子参与有关，魏晋时期就有许多知识分子从事绘画。山水不久便成为他们绘画的主要题材，由于士大夫们加入绘画后，便分成士体和匠体，《历代名画记》记谢赫评刘绍祖云：“伤于师工，乏其士体。”又彦惊云：“不近师匠，全范士体。”宗炳、王微的画论，也表现的是文人士大夫的思想和情怀，成为后世文人画的远祖。山水画的发展，首先表现在隋代和唐初的大兴土木即宫廷、台阁的大量建筑上。在设计建筑时，便要绘画大量的山水背景，直到唐初的“二阎”(阎立本、阎立德)“渐变所附”，可知山水画是由附属于宫廷建筑图中脱离出来。在《历代名画记》卷一《论画山水树石》有谓：“国初二阎，擅美匠，学杨、展，精意宫观，渐变所附。”但“二阎”画山水石树木皆不成熟，后为“二李”(李思训、李昭道)所成功。展子虔（qian）,“历北齐，周，隋”，被认为他的传世作品《游春图》可以看出：以青绿勾填法描写山川，人物，尚无皴法，体现出朴拙而真切的描绘自然景色的能力，表明山水画趋向于成熟。开创了青绿山水的端绪。此画风为后世的宫廷绘画和民间宗教画所继承。初唐的李思训（651-718年）、李昭道父子直接继承并发展了展子虔的山水画艺术。李思训被唐人推崇为“国朝山水第一人”，其代表作有《江帆楼阁图》。李昭道史称“小李将军”，《明皇幸蜀图》可能是其原作。李思训的山水画，只是继承展子虔而有所发展，其所用线条，还是传统的“春蚕吐丝”式，细匀而无变化，缺乏一定的气势。而李昭道后来“变父之势”，落笔甚粗，秀劲有力，有气势。明代詹景凤《詹东图玄览编》有记载：“李昭道《桃花源图》，大绢幅，青绿重着色，落笔甚粗，但秀劲。石与山都先以墨勾成，上加青绿，青上加靛花分皴，绿上则用苦绿分皴，皴乃劈斧。远山亦青绿加皴，却是披麻。泉水用粉衬外，复用重粉，粉上以靛花分水纹，泉下注为小坎，坎中亦用粉衬，用靛花分水纹，如泉水溪流，则不用粉。其于两崖下开泉口，则于石壁交处，中间为泉水道直下，两边皆用焦墨衬，意在墨瑛白。即唐人亦末见有如此衬山者。山脚坡上，亦如常用赭石，赭石上用两金分皴。勾勒树，落笔用笔亦粗，不甚细。墨上着色，色上亦加苦绿重勾，大抵高古不犯工巧，予见李昭道画轴与卷荚，则《桃花源图》为最古，工而不巧，精而自然，色浓意朴，断非后人能伪作也。”故山水之变， 自吴始，至小李而成，昭然也。山水画到了李昭道，已具有较高的艺术价值，既有气势，又有色彩，但其艳丽的气氛却依然如李思训。然而水墨山水画的出现可以说是发露于吴道子。盛唐时期的吴道之（约690-758）画山水则笔迹豪放，有“山水之变始于吴”之说。它的形成，都是受道家思想的影响。所以中国的士人自称参禅信佛，实则其为道学所牵制。王维（701-761）则以入画，创“破墨”山水，抒写文人情怀，大大发展了山水画的笔墨意境。这一派人还有张噪（zao），王墨。而王洽则创“泼墨”之法。此时张噪的“外师造化，中得心源”的艺术主张从一个侧面道出了艺术家对山水画创作的追求与理解。他们对文人画的形成和发展奠定了基础。从王维“以禅诵为事”、“中年唯好道”到董其昌以“画禅”名室，他们不曾一日遁佛之道而去自寻痛苦的生活，他们享尽了人间富贵，王维虽和陶渊明思想相通，但他却对陶渊明“弃官后行乞”的行为大为不满；董其昌出门坐在轿子里仍嫌辛苦。他们最知生的快乐。说是佛徒，实则佛其表，道其内。所谓“富贵山林，两得其趣”也。在艺术思想上，更是与道家思想相通。道家的“忘”，只是忘却人世间庸俗的纠葛，并且由“物化”而对宇宙万物加以拟人化、艺术化，且要求能“官天地，府万物”，“能胜物而不伤”。正因如此，所以在虚静之心中，能“胸有丘壑”，能流入笔下而成为山水画。而佛的“灭”、“四大皆空”；禅的“无念为宗”、“本来无一物”，则不可能“胸有丘壑”，也不允许产生艺术的意欲。所以以水墨代五彩画山水，正<BR>是力主清静朴素、虚淡玄无的道家思想之体现。王维之后的水墨山水画家，都或多或少的具有道家的思想。所以山水画在中唐突变后的兴盛时期，据考证也正是安史之乱，唐代开始走下坡路的时代，乃是道家思想起作用的时候。画山水的文人，往往不是以之博取功名，只是用以“娱悦情性”。王维“不能舍余习，偶被时人知。”“自适其乐”就不必迎合世俗的情趣，而自己的情趣又在于清静雅谈，这无疑是契合于水墨画的情趣。唐末的山水画正是中国山水画第一个高峰中的“始信峰”，即中国山水画成熟的起点。至五代宋初， 山水画才达到高度成熟，并居画坛之首。唐末、五代、宋初产生了“百代标程”、“照耀千古”的大山水画家，如孙位、荆浩、关仝、李成、范宽、董源、巨然等等，都是前无古人、后启来者的大画家。北宋中后期再也没有产生这样的大画家。正如郭若虚《图画见闻志·论古今优劣》有云：“或问近代至艺，与古人何如?答日：近方古多不及，而过亦有之。若论佛道、人物、仕女、牛马，则近不及古；若论山水、林石、花灯、禽鱼、则古不及近。”“至如李与关、范之迹，徐暨二黄之踪，前不藉师资，后无复继踵，借使‘二李’(李思训、李昭道)，‘三王’(王维、王熊、王宰)之辈复起，边鸾、陈庶之伦再生，亦将何以措手其间哉。故日：古不及远。”唐末至宋初的北方大山水画家多位是隐士，他们的山水画成就特别高。像关仝是五代初人，师事隐居太行山的荆浩。李成主要活动于五代，避乱而隐居于营丘山，死于宋初。范宽是五代末至宋初人，隐居于关陕、终南等地。隐遁山林的画家，自然以画山水为主，所以北方的人物画、花鸟画不盛，而山水画特盛。其主要的特点：(一)画北方石质山，雄伟峻厚，石质坚凝，风骨峭拔；(二)突出山石轮廓，以线条勾出凸凹，然后用坚硬的“钉头”、“两点”、“短条”皴之(南方山水画也有“两点”、“短条”，但决不坚硬，而是十分温润)，是形成斧劈皴、折带皴的基础；(三)长松、巨木为主；(四)多高山飞泉流水，大山突兀，有崇高感。然北方画派中各家又有各家的面貌。郭若虚在《图画见闻志》卷广《论三家山水》中谓：关仝的山水画石体坚凝，杂木丰茂,台阁古雅,人物幽闲.而且其画木叶，问用墨精微。画松叶谓之攒针，笔不染淡， 自有荣茂之色。且烟林平远之妙，始自营丘。范宽的画峰峦浑厚，势状雄强，枪笔俱均，人屋皆质，且画林木，或侧或欹，形如偃盖，画屋既质，以墨笼染，后辈目为铁屋，但范宽不大画松柏。他们都成功地刻画出北方地区山密浑厚、势壮雄强的特色，称为北方画派。其实五代宋初时期的南方山水画成就也不低。南唐的大山水画家董源、卫贤、赵干等成就皆很高。由于南唐的群臣皆文学和艺术上的能手，所以南唐绘画，诸如花鸟、人物、山水皆达到极高的成就。与北方山水画形成鲜明对比，其特点：(一)画江南土质山，平淡天真，轻烟淡峦，气象温润；(二)山石轮廓线不突出， 山骨隐显，用密密的、或长或短的、有柔性的线条和润媚的点子表现山石的凸凹，是为长、短披麻皴、荷叶皴的基础；(三)林梢出没，杂树灌木丛生；(四)多低短山丘平沙浅渚，洲汀掩映。北宋中后时期绘画已普及到一般文人，以苏轼、黄庭坚、米芾为代表的一批文人，则竭力推动文士画发展，他们倡导“画中有诗，诗中有画，”主张“不求形似，但求达意。”在《画继》有云：“画者，文之极也，故古今之人，颇多著意，……本朝文忠欧公、三苏父子、两晁兄弟、山谷、后山、宛丘、淮海、月岩，以至漫仕、龙眠，或品评精高，或挥染超拔，…．．，其为人也多文，虽有不晓画者寡矣；其为人也无文，虽有晓画者寡矣。”北宋的文人几乎都晓画，甚至亲自挥染，将自己的审美观带入到绘画中去。米芾的山水画；平淡天真”，“画意不画形”，而且没有“高下向背，远近重复”的强烈感觉,十分平易.这正和当时的古文运动的精神相契。马远、夏圭、刘松年，他们并称“南宋四大家”。马远在构图上大胆取舍，以山一角、水一涯的局部特写，突出大量空白的深远景观，给人留下想象的空间和浓郁的诗意，人称“马一角”。夏圭构图常取半边，中空旷大，近景突兀，远景清淡， 自具一格，人称“夏半边”。二人皆用大斧劈皴，笔筒意远，遗貌取神。这种边角构图，为传统山水画的发展提供了更广阔的空间。宋代文人“萧条淡泊”、“忘形得意”一类主张到了元代文人画大盛时，方得到空前的发展。元代的绘画用以寄托性情，这是元代士人闲逸、苦闷、悲凉、委曲的精神状态所至。士人放弃对国家民族的责任心，而隐逸形成一种社会普遍性的现象，他们百无聊赖，有才无处发，于是引发为一种对世俗生活的超脱之感，并发展为使个体与社会总体分离的社会性的精神运动。山水画家以赵孟烦为代表，中后期出现黄公望、王蒙、吴镇、倪瓒等，并称“元四家”。他们倒是学董、巨，但不再迷恋于自然界中的真实和韵律，而是抒发自己的性情。成就最高的是画山村山水的小景，甚至画高山峻岭也小景化。明初的山水画基本上是元末山水画的延续，画家多能直抒胸臆，表现自我，表现一种冷逸寂静的气氛，且以宫廷绘画见长。以王谔和戴进为代表的浙派，代表了明代前中期的时代风格，它的支流有吴伟为首的江夏派。但浙派绘画在明代后期已无法保持它的优势，和宫廷绘画一样衰落得一败涂地，浙派的画家戴进是十分出色的。后期的浙派绘画确实是“徒呈狂态”，以粗笔阔墨去强求豪气，勾皴的线条十分放肆，这在吴伟晚年的作品中已很明显。正德时期，以苏州为中心，以沈周、文徵明、唐寅，仇英为代表，被称为“吴门四家”，又称为“明四家”。四家中，沈、文继承“元四家”画风；仇英以工笔重彩的风格见长；唐寅虽师承南宋院体，但和浙派截然不同，他用院体的一些方法，却加入了文人的逸趣，化刚劲为和柔了。明后期吴门派开始衰落，松江派兴起，其中他们很多是大文人兼画家，所以他们的画比吴门派的画更加有文人逸趣，古雅而文秀。他们是以赵左为首的苏松派，以沈士充为首的云间派，以顾正谊为首的华亭派，三派总称为松江派。而松江派以董其昌为代表，他以“南北宋”给前人“分门户”，在艺术思想上主张师古。此外，还有以蓝瑛为首的武林派，以项圣谟为首的严谨派，以担当为首的超逸派，以吴彬、陈洪绶为代表的高古变异派，等等。和时代的精神基本相同，明代已经急剧衰微了的山水画，在清初重新振起，以渐江、石溪为代表的遗民派和以梅清、石涛为代表的自我派山水画，大可媲美宋元，乃至过之。可惜未能成为画坛主流，不久便被仿古派“四王”(王时敏、王鉴、王晕、王原祁)所掩盖，所谓“正宗”和主流又纳入了明末出现的临古轨迹，画坛出现了和社会一样的“万马齐喑”的状态。“一代正宗才力薄，望溪文集阮亭诗。”“四王”的画被目为“正宗”，后世识者对其才力微薄之不满甚于阮亭诗。而非正宗的“四僧”(八大山人、石涛、髡残、弘仁)和被讥为“恶习”、“八怪”的画反而为览者所喜爱。“四王”的画之所以为“正宗”，而又长期风靡中国画坛，其原因：(一)“四王”之首王时敏得董其昌正传；(二)王时敏以及王鉴本是明朝大官，在社会上有政治影响；(三)遗民派的画本和宫廷无关。“四僧”、“扬州八怪”、“金陵八家”的绘画被讥为“恶习”，受打击，其原因他们是“革新派”，在政治上抗拒清政府统治，在艺术上张扬个性，强调以情为主。中国的山水画至清代急剧衰落，总之“明四家”不及“元四家”远甚，“清四家”(“四王”)又不及“明四家”远甚，盖时代精神使然。山水画艺术作为时代精神的反射，正显示出这种一代不如一代的征兆。明清之际，“天崩地解”，山水画艺术也作了最后一震，他曾疾呼，但大势如此，无法使一个垂暮的老人焕发出长久的具有活力的新精神。所以石涛死后，风靡山水画坛的仍是王原祁、王晕一套以临古为主的山水画，中国古代山水画已进入了尾声。近现代以来的海派、京派、岭南派、长安画派等流派风起云涌，中国山水画艺术进入了当代。
中国山水画，“出现在战国之前，滋育于东晋，确立于南北朝，兴盛于隋唐”。 晋室东迁，士大夫们留连山水，江山景物之美，触景生情，促进了山水画的兴起。其中宗炳所撰的《画山水序》，是最早的山水画理论文章。 隋代虽然只有短短30年，在山水画上，却有着开继的作用。除了界画的兴起，最重要的是出现了展子虔和他的《游春图卷》。《游春图卷》是我国现今所见最早的卷轴山水画。 山水画在唐代出现了繁荣局面，建立了两种不同的风格，从而使其更具有了划时代的意义。其中一派是以李思训及其儿子李昭道为代表的青绿山水。他们继承并发展了展子虔以来的传统画法，被后人尊为北派山水的始祖。“二李”的画法是以墨笔勾勒轮廓，用青绿重彩设色，画树多用夹叶树，有时还用泥金勾填，产生金碧辉映的艺术效果。 另一派为水墨渲染，以王维、张璪和王墨为代表。王维的山水皴法甚简，以渲染见长，对后世影响很大，以至把他定为南宗之祖。 画圣吴道子以人物画见长，兼写山水，创水墨写意的“一体”，在山水画方面卓有成就。 晚唐以来，山水稍衰，至五代则有荆浩，关“人工”和董源的振起。关是荆浩的学生，晚年时成绩超过老师。荆浩，关长期生活在河南、陕西、山西一带，与后来学习他们的北宋李成、范宽形成了北方派系。 宋代时山水画的鼎盛时期，其中最有创造性，最有影响的是与董源并称“北宋三大家”的李成、范宽以及米芾、巨然。 李成，所画多为北方景物，当时声名极大，称为第一。以“惜墨如金”出名。有很多弟子，最出名的是郭熙。 北宋末叶，米家山水在山水画流派中异军突起。米芾及其儿子米友仁充分发挥水墨材料的特长，用泼墨、破墨、积墨以及水墨横点的排比，表现出江南雨景中云山烟树、迷蒙变化的境界，世称“米氏云山”。 宋室南渡以后，水墨山水画风大变，出现了“南宋四家”。李唐、刘松年、马远、夏圭的斧劈皴派系与以前的水墨画分道扬镳。成了南宋150年间的主流，直至元初。李唐创造了“大斧劈皴带披麻水笔”。 中国山水画到了元代又一大变，笔墨意趣臻与精逸。贴别是水墨山水，更是风靡一时，在元代画坛上占据了重要的地位。元代最有影响的山水画家是赵孟頫、高克恭以及称为“元四家”的黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇等。 明代山水画虽然十分发达，但是整个画坛都笼罩在复古风下。 清代沿袭了明代的摹古保守的风气。 本回答被网友采纳
写意人物画就是水墨人物画而他又分为分为传统水墨人物画和现代水墨人物画。从五代的石恪、宋代的梁楷、明代吴伟到清代的闵贞、黄慎、任伯年等人之后，到20世纪30年代徐悲鸿引进西画造型，加之蒋兆和的艺术实践，已与古代的水墨人物画有很大的区别，在人物造型上有本体的推进。之后有李震坚、周昌谷、方增先、程十发、卢沉、周思聪、姚有多等以及改革开放后的第一届人物画研究生班的一批人，总体而言，水墨人物画的代表画家屈指可数。其历史的积淀并不丰厚，甚至出现断裂的痕迹，可直接借鉴的传统笔墨远不及山水花鸟画丰厚。现代水墨人物画实际上是传统山水花鸟画的笔墨语言，与西方绘画造型语言相结合的混血儿，既不同于传统水墨人物画的造型不严谨，也不同于西方绘画的严谨的科学造型。 本回答由网友推荐